EL ANTICRISTO DE LARS VON TRIER

He visto por fin la tan comentada nueva película de uno de mis directores favoritos y la verdad es que el resultado me ha dejado con más dudas que certezas sobre lo visto y sobre todo lo percibido. No cabe duda que Anticristo es una película de Lars Von Trier en todos los sentidos (quizás no la mejor pero definitivamente si que tiene su sello personal), y por lo tanto es un film completamente visceral, por lo que es precisamente en este aspecto donde los exorcismos personales que el director expone cobran un fuerza impresionante. Sin embargo, es cuando uno trata de reflexionar de la manera más ortodoxa sobre el asunto que surge la duda: ¿los elementos de la película poseen una complejidad que se puede y debe analizar en distintos niveles, o esconden en realidad un vacío que se sustenta en lo desmesurado y en lo visualmente más explícito del film: sexo, sangre y dolor?. A la final, estas preguntas solo elevan a este film a un nivel en el que no puede pasar desapercibido, y a su director al ya consabido limite entre genio y enfermo mental.

Para complementar este post dedicado a una película como esta, que sin duda da mucha de que hablar, voy a citar parte de la crítica hecha por Julio Rodríguez en LABUTACA.NET y la cual me pareció muy pertinente:

Continuos primeros planos para buscar el dramatismo de los rostros y un montaje sincopado brusco que transmite violencia, una cámara nerviosa que se desplaza con los personajes y que genera cierta ansiedad e inquietud, una cuidada y bella fotografía que crea atmósferas agobiantes, y escenas surrealistas tan estilizadas como pretenciosas. En su manierismo y narcisismo, Lars von Trier llega incluso a asumir el papel del terapeuta soberbio y desencantado para someter al espectador a un primer capítulo pesado en su discurso donde parece que vuelca su experiencia, para después hacerle bajar a los infiernos y someterle a una escalada de reproches, violencia, sexo y masoquismo insoportable. Con ello parece decir que así es la naturaleza humana dañada por la locura, capaz de todo hasta límites insospechados y contra quien uno más quiere, pero en este caso lo suyo es el exceso y lo desmedido, lo brutal y lo que fácilmente genera repulsa o morbo… un camino poco sutil y muy tremendista que a muchos echará de la sala. Sin duda, estamos ante un ejercicio más de egocentrismo, con un toque de solemnidad que quiere evocar a Andrei Tarkovski (no sólo en la dedicatoria, sino en la misma idea de sacrificio y de la culpa, o en las metáforas del incendio o de la lluvia… de bellotas en este caso, o en la abundante simbología religiosa), pero al que le falta la mesura y precisión, la desnudez narrativa (no de la otra, que abunda), la profundidad conceptual del director ruso.

Sin duda, las interpretaciones de Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg ─Mejor Actriz en Cannes─ son excelentes al reflejar todo el infierno del dolor y de la enfermedad, y sus rostros dejan que la cámara se adentre en el infierno que viven en su interior, para acabar descubriendo que el verdadero “enemigo” ─el Anticristo que está en el vértice de la pirámide─ es uno mismo y que en eso consiste la enfermedad. Mucha dureza, mucha crudeza y mucho sadismo ─también misoginia─ para una cinta que no se puede recomendar indiscriminadamente porque está hecha desde el sufrimiento y lleva al sufrimiento y a la incomodidad. El espectador recorrerá cada episodio viendo cómo se va encogiendo en la butaca entre la tristeza y la ansiedad, entre el dolor y la desesperanza ─son los cuatro capítulos de su estructura─, en medio de mucha violencia emocional, física y visual hasta que lleguen los “tres mendigos”… y concluya con un enfático epílogo de luz y redención.

LOS CANALLAS: Podría ser peor

La premisa es buena: definitivamente podría ser peor...de hecho, ya se han dado casos en el cine ecuatoriano que por más expectativa creada con anterioridad, ya se por cosas de la mercadotecnia o los premios ganados, el resultado termina por dejar un sabor agridulce ante los ojos del espectador. Dicho esto, fueron varias las voces que me advirtieron que estos CANALLAS no eran de confiar. Llegada la hora fue una agradable sorpresa saber que, más allá de lo incontundente, y algunas veces incongruente, de los cortes que conforman esta película (siendo el tercero el de mayor presencia y peso narrativo), hay muchos elementos valiosos que demuestran que estos chicos van por buen camino. Es así que tanto en lo estético como en lo actoral (este último un punto realmente importante para nuestro cine) la película de la primera promoción del INCINE demuestra que hay un buen trabajo de por medio que permitirá que estos y los futuros CANALLAS tengan mucho que ofrecer al nuevo cine ecuatoriano, desde una perspectiva desenfadada y propositiva.

The Rocky Horror Picture Show

Es cuando una película deja de ser sola una película y se convierte en un film de culto que nos damos cuenta que detrás de toda la dinámica que envuelve a la industria cinematográfica (dimensionada en función del mercado) se encuentra algo más complejo y menos fatuo. Es precisamente este "algo" el que ha hecho que The Rocky Horror Picture Show haya trascendido en el tiempo, no solo imponiendo su "peculiaridad", sino siendo el propio experimento de lo que la experiencia cinematográfica puede llegar a convertirse para el espectador, si se considera a la sala de cine como un espacio de interacción.

Esta extravaganza, digna representante de aquello que en su momento fueron las películas clase B, es toda una alegoría en contra de aquello que lleva la etiqueta de lo moral, lo normal y lo convencional. Después de todo si hay que decir algo hay que decirlo fuerte... y si hay que decirlo cantando que mejor...esta película lo hace.

Enter at your own risk!

Ponyo en el acantilado

Si bien no es El viaje de Chihiro (película mucho más impresionante tanto en lo visual como en su historia), Ponyo en el acantilado sigue teniendo la marca indeleble de su realizador, Hayao Miyazaki, quien de tanto en tanto nos presenta una aventura como ésta, en la que la inocencia y la ternura nos devuelven las dulces sensaciones de la infancia. Esto en tiempos en los que la animación se ha convertido en un complejo instrumento para parodiar y satirizar irónicamente a la sociedad actual es algo que sin duda se debe agradecer.

LA TETA ASUSTADA

Si ya con Madeinusa la dupla formada por Claudia Llosa y Magaly Solier (la una como directora y la otra como protagonista) mostraba todo su potencial, con La Teta Asustada ambas realizan un trabajo aun más maduro y complejo. Si bien la primera película tenía el mérito de ser más impactante en la historia que se nos cuenta, en este segundo largometraje la sutileza en la narración y el pulso con el que Llosa dirige y expresa en imágenes los conflictos internos de su protagonista (dando énfasis al rostro siempre entristecido de Solier) el resultado es inigualable.

AMOROSA SOLEDAD

Ella pensó que podía estar sola...se equivocó.

Amorosa Soledad...un título que dice muchas cosas. Toda una película "indie", de aquellas que ahora están muy de moda y que llegan tanto al público como a la crítica. Un término que en este caso, como en algunos otros del nuevo cine de Hollywood, va más allá de una referencia en cuanto a su carácter de opera prima independiente, y se relaciona más bien con su estilo sencillo y juvenil, con una mirada sutil e intima por parte de dos nuevos cineastas en busca de algo relajado y fresco. Amorosa Soledad es eso...una peli con buena música, buena estética y sobre todo con una peculiar, encantadora y "freak" protagonista . Una magnifica y convincente Inés Efrón (más que una promesa del cine argentino) en el papel de una hipocondríaca que se las vale por si misma pero que al mismo tiempo siente una profunda necesidad de protección....Después de todo, más allá de la busqueda del amor, está la busqueda del sentimiento de seguridad y de la calidez de lo confortable.

LA NANA: lo mejor del cine chileno

Debo confesar que hasta ahora la cinematografía chilena me parecía poco interesante. A pesar de ser propositiva, el resultado final (en el caso de las películas que he podido ver) no llegaba a convencerme. Quizás el caso de Machuca puede ser considerado una excepción. Sin embargo, ha sido en estos días, en el marco del Séptimo Festival Cero Latitud, que he podido ver una película que me ha encantado. La Nana, del director chileno Sebastián Silva, es un film honesto y sencillo que convence y trasmite toda una gama de emociones. El mayor peso de esta obra cinematográfica radica en la prolífica interpretación de Catalina Saavedra, quien asume el rol protagónico de esta interesante historia en la que la problemática existencial de una empleada domestica nos muestra la realidad de un oficio de mucha entrega y de gran significación en nuestra región.

REPULSIÓN

Es en la posibilidad de acceder a lo "clásico", lo "hecho" y lo "consumado" que, pese a siempre tener los ojos puestos en las nuevas propuestas, podemos de a poco apropiarnos también de aquello que por derecho propio a trascendido en el tiempo y que, más allá de constituirse en parte de una formación cinematográfica y cultural, nos proporciona la dicha de descubrir o reencontrar lo que siempre estuvo presente y ahora se revela por completo con toda su opulencia. REPULSIÓN, segundo film de Roman Polanski, cumple perfectamente con lo señalado. Es una obra tan imponte que verla constituye una experiencia ardua y por momentos demasiado exigente, pero es precisamente por esta razón que esta perturbadora película nos deja deleitados ante lo visto: cine del más alto nivel.

DESCARTES: sobre el cine y la memoria

Nuevamente es la historia de un cineasta perdido en el tiempo (ya en su momento Javier Izquierdo revivió al gran pionero olvidado: Augusto San Miguel), la que nos introduce en un relato de recuerdos y nostalgia...de la emocionante búsqueda de tesoros...no se trata por supuesto de simples monedas de oro o plata...si no del incalculable valor del arte, que va más allá de lo mundano y superficial.

Fernando Mieles nos presenta un documental relajado, sin mayores pretensiones, que se convierte, sin embargo, en un trabajo memorable y apasionante.

A la espera de...

Ver Irreversible fue una de esas experiencias que pocas veces se repiten en la vida. Como un acto de extremada valentía (y estupidez al mismo tiempo) que nos deja una rara sensación gratificante luego de haberlo hecho (algo así como subirse a una gran montaña rusa). Es por esa misma razón que, con abucheos y malas críticas de por medio, espero poder ver pronto la nueva película de Gaspar Noé, Enter the void. El 'warning' del cartel lo dice todo:

'Viewers are advised that this film contains scenes of heavy drog use, graphic sex and extreme violence'

IMPULSO

A pesar de lo predecible y extremadamente simple en su narración que termina siendo esta película, Impulso es sin duda una de las propuestas más interesantes que se han dado dentro del cine nacional. Más allá de lo regular de algunas de las actuaciones (el caso más extremo es el del tío de la protagonista), Mateo Herrera experimenta en una obra de bajo presupuesto los lugares comunes del cine de suspenso y nos brinda así un trabajo que se destaca sobre todo por sus memorables imágenes en blanco y negro.

En el caso de la actuación de Cecilia Vallejo lo que se puede decir es que la Jessica de Mateo es en algunos puntos similar a la Teresa de Tania Hermida (personaje que interpreta Cecilia en Qué tan lejos). Sin embargo, este personaje lleva al extremo su enajenación e introversión por lo que su mutismo llega a ser hasta cierto punto desesperante, sin que se logre saber si es un caracterización acertada o todo lo contrario.

Impulso es sobre todo una propuesta...un paso más en la creación de una identidad cinematográfica que se alimente tanto de lo propio como de lo ajeno.

Nick & Norah's Infinite Playlist

Every night has a soundtrack

Una de aquellas rarezas con las que a veces uno se topa en la vida sin saber cómo. Nick & Norah's Infinite Playlist está lejos de ser una obra maestra de la cinematografía. Sin embargo, lo que llama la atención de esta película es esa mezcla entre los estereotipos de las teen movies de hollywood y el desenfado del cine independiente al estilo Juno (de hecho Michael Cera aparece también en aquella película). Pero el punto más COOL de esta movie es sin duda la música...todo el indie rock necesario para contar la historia de amor entre estos dos seres del underground.

El nido vacío

A pesar de contar con una premisa que ya desde su titulo propone una historia interesante y profunda, tengo la sensación que el vacío al que se hace alusión en realidad es aquel que impide que esta película trasciendo el campo de la belleza estética y produzca una empatía con el espectador. Después de todo queda claro que El nido vacío es una película pretenciosa en el mejor de los sentidos. Magníficamente fotografiada, cada imagen parece crear un ambiente rico en colores, texturas y sonidos (la banda sonora del film se lleva también su elogio). Sin embargo, más allá de eso, no hay mucho que permita acceder realmente a la historia de esta pareja de regreso a la vida entre 2: al amor en medio de una especie de soledad acompañada.

Este maldito país

Juan Martín Cueva retoma en este documental la eterna interrogante de la identidad ecuatoriana: siempre cuestionada, analizada e interpretada no sólo por los sociólogos y eruditos, si no por todos aquellos que se sientan, con orgullo, parte de "este maldito país".

La propuesta es muy buena y en gran medida necesaria; sin embargo la sensación final que deja la película es que se pudo haber hecho más...se pudo haber ido más lejos...Quizás el retomar aquella mirada personal e intimista que este director con gran inteligencia expuso en su anterior trabajo: El lugar en el que se juntan los polos.

Lo más valioso que nos deja Este maldito país (en referencia al documental), son varias reflexiones de profundo significado. Memorables palabras que expresan no sólo la visión de aquel que las pronuncia sino la realidad social que se construye en base a estos pensamientos.

CUBA, el valor de una utopía

El valor del trabajo realizado por Yanara Guayasamín en este documental radica en la belleza de sus imágenes, magníficamente fotografiadas, y en su carácter testimonial (sobre todo por recoger las opiniones y experiencias del mismísimo Fidel). Sin embargo, el film pierde dinamismo a medida que avanza y se extiende en demasía en el recuento histórico que hace de los hechos acontecidos hace 50 años, durante el inicio de la revolución cubana, quitándole así el papel protagónico que debería tener la palabra de aquellos personajes "comunes" de la vida diaria en la Habana. Son éstas las verdaderas imágenes memorables del documental pues recogen la sabiduría de un pueblo que, sin perder la alegría, comprende lo que significa en todos los sentidos vivir en una utopía.